O Casarão

Retrospectiva Dois Mil e Sete

2007-12-30T12:48:00.000-08:00

duas meia dúzias de meses em uma dúzia de imagens

Após um árduo ano de estudos e tentivas frustadas de aprender matemática ou angariar prêmios na aula de Literatura, apesar de nenhum Nobel, acho que muitos ganharam um Ignóbel, O Casarão apresenta a sua retrospectiva.

Janeiro

Pintura de Rembrand é vendida por 25,8 milhões

Medindo 92,1 por 74,9cm foi leiloada pela casa Sotheby’s uma tela desconhecida para a maior parte do público: São Tiago em Oração. Faz parte da fase retratista e última fase da carreira do pintor holandês Rembrandt Harmenszoon van Rijn.

Fevereiro

Referendo português aprova a descriminalização do aborto

Pouco mais da metade da população portuguesa foi as ruas no referendo, demonstrando que a estada do ong Women On Waves, que ajuda mulheres de países onde a prática não é permitida a tentar essa opção de forma segura, levando-as para alto-mar onde regem as leis do país de origem do barco da ativista Rebecca Grompers, líder da

ONG, a Holanda.

Março

O Playstation 3 é lançado na Europa

Representante da Sony na sétima gerações de videogames, competindo com o XBox da Microsoft e o Wii da Nintendo, é o lanterninha da disputa apesar de seus potentes

atributos como armazenamento de mídia primário em Disco Blu-ray, enquanto ele também suporta SACDs, DVDs e CDs, podendo transmitir vídeos de alta definição para jogos de vi

deogame e filmes.

Abril

Sandy & Junior anunciam o fim de sua carreira como dupla.

Graças a Deus.

Bem, assim, já estava na hor

a, né?

Maio

RCTv é fechada por Hugo Chávez na Venezuela

O presidente não concede a renovação dos direito da emissora, a mais popular do país. Entretanto, a emissora ainda funcionaria pela internet, apesar de nem 10% da população venezuelana possuir acesso. Quanto a Hugo, para ele nem Chaves, nem Chapolim, essa era a emissora que havia adquirido a licença para a transmissão dos programas.

Junho

Iphone é lançado nos Estados Unidos

Depois do fracasso do portátil da Apple, Newton, a empresa acaba se consolidando no mercado de smart phones e reprodutores de mídia como o IPod. Em 2008 sua maior rival não será a Microsoft, mas sim o Google que entrará na disputa.

Julho

Bento XVI declara a Igreja Católica como única Igreja de Cristo na Terra

Pelo menos desta vez, o papa não precisou pedir desculpas para representantes do Judaísmo e Islamismo. Além do mais, segundo Edir Macedo, Cristo é da Igreja Universal, pois Silas Malafaia o vende todo sábado em televisão aberta.

Agosto

Brasil é primeiro lugar nos Jogos Parapan-Americanos do Rio de Janeiro

Com mais do dobro de medalhas do segundo colocado, o Canadá, o Brasil arrecada 83 medalhas de ouro, 31 a mais do que no Pan-Americano, sem que isso viesse a público na mídia de acesso livre.

Setembro

Descoberto o Assassino de Thaís Grimaldi, em Paraíso Tropical

Finalmente pudemos almoçar em paz com nossas famílias, sem que nossas mães, tias e avós fiquem tentando descobrir que é o assassino da vilã do folhetim das oito, que começa às nove e só acaba às dez na quarta quando tem jogo. Afinal, para quem não se lembra, foi o Capitão Nascimento, digo, o Olavo, personagem de Vagner Moura, o responsável por tanta futilidade.

Outubro

Radiohead Lança seu Sétimo Cd e Revoluciona a Indústria Musical

Em versão para Download, o Radiohead faz negócio diretamente com seu público: é você que escolhe o preço que In Rainbows deve custar.

Por exemplo, a criatura que vos fala achou que 8 euros estava muito bom para a aquisição.

Novembro

Morre Norman Mailer, ganhador de dois prêmios Pulitzer.

Criador, junto com Truman Capote, do Novo Jornalismo, conhecido também como “não-ficção criativa” ou “jornalismo poético”, Norman escreveu, entre outros livros, “Os Nus e Os Mortos” (1948), “Os Exércitos da Noite” (1968) e a Canção do Carrasco (1979).

Dezembro

Ladrões roubam dois quadros do Museu de Arte de São Paulo

O último quadro da fase azul de Picasso, Retrato de Suzanne Bloch, e O Lavrador de Café de Cândido Portinari são surrupiados dos salões do museu. Aparentemente, os ladrões não sabiam nada sobre arte e roubaram por encomenda, já que quadros muito mais valiosos como Rosa e Azul, do francês Renoir, não foram nem observados. Um P E C A D O.

Um Feliz Ano Novo e um Próspero 2008

Clube da Elite

Feliz [se possível] 2008!

2007-12-30T04:03:00.000-08:00

Porque 2007 foi um baralho.

O Rock Ao Sul das Américas

2007-12-15T15:15:00.000-08:00

Nove de dezembro foi decisivo na carreira de 4 bandas finalistas do Semp Toshiba Banda Antes. Em busca de uma gravadora, o hip-hop dos Dálmatas, o rock paulistano dos Lambrusco Kids, os bem-comportados do Radiare e os gaúchos retrôs do Stereograma se submeteram a um crivo de profissionais, ou quase, da música. Entre eles, o vocalista de um dos destaques musicais do Sul brasileiro, Cachorro Grande.
Ao sinal da VJ Luiza, um trio entoou seus instrumentos: uma bateria, um baixo, uma guitarra, uma boina e algumas camisas de gola. Soa um tanto indie, mas não para o único lugar onde os tupiniquins faziam bonecos de neve. O Rio Grande do Sul é o novo celeiro do falido Rock’n’roll brasileiro. Mudanças calangas, é verdade, mas necessárias. Que diria Dinho que viu sua banda correr sério risco no underground de Brasília. Afinal, faltaria pouco para a instalação de uma CPI (Central Internacional de Pizza) para averiguar quem desviou o Capital Inicial para a conta de um amigo laranja.
Stereograma, o grande vencedor, foi quem preencheu o palco com apenas 3 integrantes cantando “Hey Garotinha”, um rock que tem tudo para fazer escola. Escola e Faculdade, algo muito difícil já que há costas na UFRS para os negros gaúchos das comunidades alemãs. Entretanto, todos hão de concordar com a expressão fálico-peniana que Beto libertou nos estúdios da MTV. Se houver faculdade para o trio cuja influência vem de um dos olfatos mais apurados do mundo, The Who, com certeza será de Sexologia.
Chimarrão a parte, Lambrusco Kids provou que São Paulo também faz parte da aurora austral brasileira. O vocalista cheio de personalidade cantou “Dia de Dezembro”, quem diria em um dia de dezembro. Antes que o spleen e o blasé do rock independente inundassem os ouvidos dos convivas, a banda provou que não precisa de escola para fazer milagre. Era Março, Junho ou Novembro, porque a canção era simplesmente brilhante e não guardava nenhuma redundância vocal e contextual.
Mas aquele friozinho que dá na noite paulistana nem de perto é a massa Antártida ( e antártica) das noites gaúchas. Ao que parece, Porto Alegre, as Ilhas Malvinas e o Reino Unido estão sob aquela freqüência que só quem é de Londres escuta. A freqüência de ver nascer, ali na Grã-Bretanha, um som diferente, o britpop e o british rock (por questões de espaço, usa-se aqui linguagem futurista: Bp/r). A que semelhança estão Oasis, The Who, Franz Ferdinand, Artic Monkeys, e Cachorro Grande? Estão no mesmo paralelo, aquele traçado pelas usualidades anatômicas de cada povo.
Pois é, com o novo rock brasileiro, parece que os farroupilhas possuem essa anglo-habilidade tão cara à originalidade do Bp/r. Quem não é inglês, nem gaúcho que ponha suas antenas para identificar essa freqüência, uma vibração musical que Stonehenge acaba de lançar.

Julie London

2007-12-05T09:47:00.000-08:00

Aproveitando a dica do prof. Grijó, vou falar de uma das musas do jazz, Julie London, que além de cantarora era atriz. Julie não é tão conhecida quanto Ella Fitzgerald ou Sarah Vaughn, porém sua voz é belíssima. Suas interpretações mais conhecidas são: "Fly me to the moon", e "Cry me a river" ,que vendeu 2 milhoes de cópias e faz parte do soundtrack do filme V for Vendetta (V de Vingança) lançado em 2006. Ela gravou ao todo 32 discos e fez muitos shows de sucesso, inclusive no Brasil, onde veio em 62 para apresentação no Golden Room do Copacabana Palace. Durante três anos seguidos foi considerada a melhor cantora americana pela revista Billboard. O motivo fica claro ao escutar suas músicas, sua voz é suave, belíssima! O interessante é a mistura de instrumentos que são usados nas músicas, que dão uma sonoridade totalmente diferente do clássico jazz e blues. Um bom exemplo é a música "Light my fire", que começa com uma flauta transversa, logo um piano começa forte com tambores e violão bem marcados e secos, e a música segue harmonicamente com outros instrumentos que dão um toque todo especial à música. É exatamente isso que eu gosto nas músicas dela, são músicas que misturam instrumentos pouco usados no seu estilo.

Sempre que ouço Julie cantando penso em como ficaria lindo ela cantando com Frank Sinatra e Tom Jobim, a combinação deveria ser perfeita. Julie chegou, com toda graça e beleza, ao nível das grandes divas, que eram na sua maioria negras, e até hoje faz sucesso seja em trilhas sonoras de filme de hollywood, ou em versões de cantores mais novos.

Postagem escrita ao som de:

Fly me to the moon -- (Julie London)

Light my fire -- (Julie London)

The more i see you -- (Julie London)

Hushabye mountain -- (Julie London)

Days of wine and roses -- (Julie London)

Lester Bangs - Rock N' Roll Com Papel e Caneta

2007-11-27T03:32:00.000-08:00

"Eles não seriam heróis se fossem infalíveis, na verdade não seriam heróis se não fossem uns cães sarnentos miseráveis, os párias da terra, e mais, a única razão para se construir um ídolo é joga-lo por terra novamente" Lester Bangs

Provavelmente ninguém representou melhor o Rock no mundo da escrita do que Lester Bangs, expoente do chamado New Journalist-do qual fora encaixado no subgênero "Gonzo", Bangs não apenas escreveu como também refletiu e narrou sobre varios acontecimentos e personagens deste fenômeno que tomou de assalto a segunda metade do século XX e chegou no Sec XXI enfraquecido. Alem disso, foi um dos responsáveis por cunhar na mídia os termos "Heavy Metal" e "Punk" dos quais defenderia até a morte(curiosidade: certa vez ele entrou num incendio que ocorrera em sua casa para salvar um disco do PIL). Seus textos tem alta influencia de cultura Beat, principalmente de Burroughs, filosofia e obviamente Rock N' Roll.

Nascido na California em 1948, Bangs foi criado por uma familia de Testemunhas De Jeová. Passou a infância lendo as obras de Verne, Stevenson e Dumas das quais gostava de escrever continuações. Na adolescência passa a ler textos de ficção científica, dos quais naturalmente iriam despertar a preocupação de sua mãe. Já influenciado pelo Beat, começa a mandar textos para a revista Rolling Stone, porém em 1973 é demitido por causa de uma crítica negativa ao Cannet Head- o que rendeu a curiosa explicação dos editores de que Bangs era "desrespeitoso com os músicos" . Mudou-se para Detroit e passou a trabalhar para a revista Creem, esta dava a liberdade de criação que a Rolling Stone não oferecia, onde logo passou a dar asas a seus textos jornalísticos inspirados e a seus termos inovadores. Apos sair da Creem escreveu para publicações como The Village Voice, NME e até mesmo os Los Angeles Times. Morreu em 1982 por overdose de medicamentos.

Homenagens a seu ser não faltam no universo POP. Grupos como REM e Ramones ja o citaram em suas letras. No cinema, Philip Seymour Hoffman o encarnou no filme Quase Famosos, ele é aquele cara que da concelhos ao protagonista do filme.

Lançada no Brasil, a coletânea de seus textos denominada "Reações Psicóticas"- organizada pelo também jornalista músical e amigo Greil Marcus, aborda críticas de discos, entrevistas e finaliza com comentários sobre as mortes de dois dos nomes mais importantes do Rock, Elvis Presley e John Lennon. Todos os textos escolhidos de diversas publicações(com predominancia da Creem) demonstram a capacidade de Lester de escrever sobre Rock N´Roll como ninguem. A frase acima, por exemplo, foi escrita no texto denominado "Vamos Agora Louvar os Famosos Duendes da Morte" dedicado a um encontro de Lester com Lou Reed. Reed é o heroi de Lester. Neste texto ele inicia fazendo comentarios nada elogiosos ao estado atual (para a época) de Reed, logo após um monte de palavrões, reflexões e insultos sobre seu "heroi", ele comessa a narrar o encontro com o "Rei de New York" (como Bowie o chamava), onde da as primeiras impressões da "mulher" de Reed ("Era como a externalização fisica de toda aquela banha e gordura que Lou deve ter perdido quando injetou vitaminas no inverno passado"), sobre frases ditas por um confuso Lou Reed (" 'Sera que a Yoko vai largar o Paul' "), sobre David Bowie (" 'Ele copiou todos os seus Riffs' ") e até sobre conversas sobre música com músicos ("Jesus. Se tem alguma coisa que eu odeio escutar de músicos é papo de música"). Por mais hilária que seja a conversa (lembrete: trata-se de jornalismo Gonzo) a impressão que se tem do bate-papo é de duas pessoas que se admiram e se desprezam, de um heroi e um seguidor e também de dois roqueiros, um da música e outro da escrita.

O lado mais serio e menos "Gonzo" de seus textos é demonstrado num artigo que comemora os dez anos do album "Astral Weeks" de Van Morrison. Para Bangs este é um album de grande importancia na música pop pela capacidade do Artista para reunir em apenas um album jogos verbais, sentimentalismo, lirismo e principalmente a capacidade de se aproximar da "humanidade", o sentimento de desprezo pelo proximo, o isolamento e o conhecimento das ações individuais, para Bangs este disco foi o que obteve maior aproximação com o ser humano. A analize é encerrada com um pedaço de uma lirica de Van e uma poesia de Federico Garcia Lorca.

Como bem demostrado, Lester Bangs não apenas foi um dos maiores jornalistas culturais da segunda metade do Sec XX. Foi também aquele que melhor explicou e desvendou, seja serio ou de forma humorística, o Rock N' Roll. Portanto nada melhor para fechar este texto do que uma frase do próprio Lester, publicada no artigo sobre a morte de Elvis: "Assim, eu não me darei ao trabalho de dizer adeus ao corpo dele. Direi adeus a você."

Joss Stone - Música de Qualidade

2007-11-16T12:41:00.000-08:00

Nascida na Inglaterra aos 11 de Abril de 1987, Joscelyn Eve Stoker, conhecida por seu nome artístico Joss Stone,cresceu escutando uma grande variedade de gêneros musicais, incluindo R&B e Soul music.
Aos quinze anos, Joss foi a Nova Iorque tentar a sorte como cantora e depois de cantar, em um teste, a música “On the Radio”, de Donna Summer, conseguiu um contrato com uma gravadora americana.
Para cantar Soul é preciso ter “voz boa” e isso Joss tem de sobra!
Seu primeiro album,”The Soul Sessions”, foi lançado em Setembro de 2003, quando Joss tinha apenas 16 anos, e traz regravações de clássicos do soul das décadas de 60 e 70.
Mas, para Joss, sua verdadeira estréia foi com seu segundo álbum: “Mind, Body and Soul”. Das 14 faixas que integram o álbum, 12 são da autoria ou co-autoria da jovem cantora. Com êxitos como “You Had Me”, “Right To be Wrong”, e “Spoiled”, as canções tratam do universo feminino. Este álbum foi número um no Reino Unido, fazendo de Joss Stone a mais jovem artista feminina a liderar aquele lugar do topo, destronando o recorde de Avril Lavigne. Decidida a não limitar sua carreira, Joss Stone afirmou que não vai cantar pop só porque é uma garota branca e loira.
Em Março de 2007, aos 19 anos de idade, Joss Stone lançou o álbum "Introducing Joss Stone", que contêm dentre outras músicas o sucesso “Tell me what we’re gonna do now” com a colaboração de Common.
Muito mais do que cantar Soul, Joss Stone interpreta canções que tratam do universo feminino e dedica-as a todas as garotas que como ela, não gostam de serem “passadas para trás”.

http://br.youtube.com/watch?v=utKqlPwDkFo

Joss Stone - Spoiled

I kinda thought that I'd be better off by myself

I've never been so wrong before

You made it impossible for me to ever

Love somebody else

And now I don't know what I left you for

See I thought that I could replace you

He can't love me the way you do

'Till now I never knew

Baby

I'm spoiledBy your love boy

No matter how I try to change my mind

What's the point it's just a waste of timeI'm spoiled by your touch boy

The love you give is just too hard to fight

Don't want to live without you in my life

I'm spoiled

I tried to tell myself that I'd be over you in a week or two

But baby that was 'bout a year ago

I've never seen the word love so personified as I dowith you

And that is why I just can't let go, oh no

Spoil me

And I would only be fooling myself if I tried to

Believe there's room for someone else in my heart

There ain't no way

I'm getting over youI don't know what I've been trying to prove

I'm hopeless, helpless when it comes to you

Gustav Klimt : A Hibridação dos Estilos

2007-11-06T13:52:00.000-08:00

"Whoever wants to know something about me - as an artist which alone is significant - they should look attentively at my pictures and there seek to recognise what I am and what I want."

(Gustav Klimt)

Klimt, nasceu na Áustria em 1862 e foi considerado por muitos um pintor de tendências simbolistas.Também foi um pintor de destaque dentro do movimento Art Noveau austríaca e um dos fundadores do movimento da Secessão de Viena.

Klimt teve suas fases artísticas definidas por meio das mudanças no estilo e nas cores das pinturas, ocasionadas por acontecimentos no decorrer de sua vida. De todas, sem dúvida considero como as mais importantes: a fase dourada e a pós-dourada. Mas antes de escrever sobre elas, é importante comentar o erotismo presente em grande parte de suas pinturas, que são em maioria de mulheres.

Existem dois tipos de arte erótica: a muito boa e a muito ruim, porém, em se tratando de Klimt, o único adjetivo que encaixaria seria: Excêntrica. O pintor austríaco simplesmente mistura o erotismo à hibridação dos estilos expressionistas, simbolistas, bizantinos e etc, com seu próprio "toque pessoal", o que torna suas pinturas únicas e de significante originalidade. Sua principal modelo foi Emilie Flöger, com quem teve um envolvimento amoroso.

Retornando às fases do artista:

- A fase dourada: importante por ser aquela que marca a mudança no estilo de Klimt do usual para o extravagante. Uma das principais pinturas dessa fase é o quadro "O Beijo" em que ele retrata de forma submissa ele mesmo com sua amante Emilie. Nessa fase ele usa e abusa do contraste dourado, misturando o realismo ao abstrato.

- A fase pós-dourada teve como estopim a chegada do expressionismo, o que fez Klimt deixar de abusar dos contrastes dourados e geométricos e iniciasse um período artístico marcado por pinturas influenciadas pelo cubismo. Nessa época pintou jardins, camprestes e etc. Mas um fato indispensável nesse período foi a morte da mãe de Klimt, o que provocou o artista a pintar quadros mais mórbidos e sombrios, marcados pela monocromia.

Klimt morreu em fevereiro de 1918, vítima de apoplexia, e foi enterrado no Cemitério de Hietzing, na Áustria.

Um toque de cultura inútil (fonte: wikipédia):

- Art nouveau foi um estilo estético essencialmente de design e arquitectura que também influenciou o mundo das artes plásticas. Era relacionado com o movimento arts & crafts e que teve grande destaque durante a Belle époque, nas últimas décadas do século XIX e primeiras décadas do século XX

- A secessão austríaca, ou secessão de Viena foi uma iniciativa de protesto de artistas da época contra as normas tradicionais, artísticas e étnicas, da sociedade atávica e transitória da época. Era uma tentativa de se encontrar uma identidade de grupo para o país.

- Apoplexia é uma afecção cerebral que surge inesperadamente, acompanhada de privação do uso dos sentidos e de suspensão do movimento; em outras palavras, é uma designação genérica das afecções produzidas pela formação rápida de um derrame sanguíneo ou oclusivo no interior de um órgão. Pode provocar morte instantânea. Os sintomas são: dores de cabeça, paralisia de um dos lados do corpo ou dificuldades em engolir ou falar e, no extremo caso, ocorre confusão mental e perda de consciência.

Curiosidade:

- A abertura do anime "Elfen Lied" sofreu grande influência das pinturas de Klimt.

(link do vídeo da abertura abaixo)

http://youtube.com/watch?v=_GFBzwTZWVA

Psicodelia Underground, parte 3 - Velvet Underground

2007-11-02T05:53:00.000-07:00

Na terceira e ultima parte da serie Psicodelia Underground, vou falar sobre uma das bandas mais influentes dos anos 60, mas que, em vida, raramente experimentou o gosto do sucesso. Estou falando do Velvet Underground, que hoje é um dos nomes sagrados do Rock da década de 60 e seu líder, Lou Reed, ascendeu a condição de deus do Rock.
Formada por Lou Reed(Guitarra e Voz), John Cale(Violino e Baixo), Sterling Morrison(guitarra) e Maureen Tucker(Bateria). A banda Nova-Yorquina Velvet Underground, de caráter experimental e marginal, aliou-se ao artista plástico Andy Warhol, que agiu como produtor do album de estréia da banda: "The Velvet Underground e Nico". Mesmo com as mãos do famoso Andy Warhol- que ainda obrigou a banda a aceitar a cantora alemã Nico- não ouve sucesso comercial. O album seguinte "White Light/White Heat", não possuia participação de Warhol e, por consequência, nem de Nico. Um dos líderes, John Cale, saiu da banda, o que a deixou no total controle de Lou Reed. "The Velvet Underground" é o primeiro album sem Cale, dos 200 albuns da parada Billboard, este obteve o consagrado lugar de 199 posição . Posterior ao album de nome homônimo da banda, foi lançado o album de maior apelo comercial da banda "Loaded", com sucessos de FM como "Sweet Jane" e "Rock n' Roll". O último album de estúdio foi "Squeeze". Posterior a este foram lançados apenas albuns ao vivo.

O sucesso póstumo e a influencia da banda sobre grande parte dos rockeiros de hoje tem como explicação mais plausível o sucesso da carreira solo de Lou Reed e a ascenção do Rock independente.
A música do Velvet Underground tem como principais características o experimentalismo musical, a simplicidade nos arranjos(o que viria a influenciar o Punk), distorções e as letras que refletem principalmente o submundo urbano, recheado de drogas, orgias e outros acontecimentos, sempre tratados de forma imparcial, ou seja, nunca descamba para a apologia e nem para a condenação.
Dos albuns destaco os dois primeiros: "The Velvet Underground and Nico" e "White Light/White Heat". O primeiro é a obra-prima do Underground, adorada por músicos e críticos e que sempre marca presença em qualquer lista de 20 maiores albuns da historia do Rock. A faixa inicial, "Sunday Morning", é uma pequena pegadinha, pois é uma balada que beira a inocência e com melodia feita para fazer bebês dormirem. A verdadeira face de Lou Reed e seus colegas é mostrada na faixa seguinte, "Waiting for my man", em que é retratada a relação de interesses entre usuário e traficante de drogas, a faixa "Venus in Furs"(uma das minhas favoritas) fala sobre hedonismo sado-masoquista, "Run, Run, Run" é um rock poderoso com solos distorcidos, uma das drogas mais perigosas é retratada de forma inteligente, e não romantica como predominava o pensamento da época sobre drogas, na excelente "Heroíne", "There She Goes Again" fala sobre o assunto retratado em 70% das músicas: a mulher, "The Black Angel Dead" é um poema metafórico sobre rituais de ocultismo e para finalizar, a música "European Son" com seus menos de 1 minuto de letra e seus 6 minutos de improviso.
A cantora Nico ficou responsável pela voz de 3 faixas do album: "Femme Fatale"," All tomorrow's Parties" e "I'll Be Your Mirror". Destas o destaque vai para "All Tomorrow's Parties" que melhor combina com sua voz de contralto.
No album seguinte "White Light/White Heat", o Velvet seguiu uma linha mais baseada no barulho e no improviso. Destaque para a faixa titulo, para "The Gift" com a historia de Wando que se envia de presente para sua amada Marsha, para "I heard her call my name" com os solos de guitarra de Reed e a barulhenta "Sister Ray" com seus 17 minutos.
E curioso como o Velvet só foi fazer sucesso com o tempo como aliado, pois os temas das canções da banda mexem naquilo que o ser humano mais admira: a polêmica. Em termos de conteudo, os Velvets fazim os Rolling Stones parecerem uma banda de Madres Teresas de Calcuta. Porem diferentemente das outras duas bandas das quais comentei na serie Psicodelia Underground , o Velvet hoje (repetindo pela terceira vez) é uma das bandas mais influentes, o que contrasta com o obscurantismo que a banda amargou(não que eles se importassem com isso) na década de 60. 4 dos 5 discos do Velvet estão na lista dos 500 melhores da Rolling Stone, bandas "modernas" como os Strokes são fãs assumidos e seus albuns são tidos como "obrigatorios" para qualquer um que queira se especializar em Rock.

Com o Velvet eu termino a serie Psicodelia Underground, mas não posso dizer que não voltarei a abordar o assunto no futuro.

Clipe(ou quase isso) de "Waiting for my man"

Clipe(ou também quase isso) de Venus in Furs

Off: Foi necessario postar nesta sexta, pois estou ocupado nas terças-feiras.

Use o Cérebro pelo Lado de Fora

2007-10-31T09:47:00.000-07:00

Há quem pense que moda é aquilo que ordena a compra periódica de roupas e acessórios caríssimos em lojas conceituadas em Shoppings Centers. Entretanto, o conceito vai além de calças e camisas que custam o PIB do Zimbábue, tendo em vista a própria idéia do que é ter algo como modelo, sem massificar, fazendo da roupa mais do que simples pedaços de pano que cobre as vergonhas (ou admiranças, seja assim se ainda tiver idade ou algo acima da lei [da gravidade, é óbvio]) e sim um outdoor de idéias. Na verdade, como tudo na História, a Moda surge por objetivos econômicos, não só pela venda de idéias, mas pelo Colbertismo, o mercantilismo francês, onde a França acumulava capital através da venda de seu luxo estilizado. Só que todo esse estilo só vai receber um nome é por volta do século XVIII com Luís XV: Moda.
Depois de devidamente rotulada, a Moda ainda sofreria o efeito de outras mais rotulações (e rotações, depois do costureiro francês Jean Paul Gaultier colocar uma modelo obesa, a Velvet, como destaque na apresentação de sua coleção em Paris como clara ironia da Semana de Moda de Madri): teríamos uma série de posições diferentes para as visões da moda (Posição acima do umbigo, a cintura alta; abaixo do umbigo, a cintura abaixo da cintura, a cintura baixa; e é claro a famosa cintura centropeito), como a moda psicótica de Twiggy, que inaugura o conceito de anorexia, e, é claro, em um claro resgate aos ensinamentos de Audrey Hepburn em Bonequinha de Luxo, a Moda como uma Arte.
De fato, o estilista não é aquela pessoa que vive em baladas, boates ou ainda aquele estereótipo de garota fútil ou homossexual de sucesso, é como um pintor que observa sua tela em busca de uma obra-prima. O estilista vê no cotidiano uma alternativa para destruí-lo e depois reconstruí-lo em uma proposta inovadora (ou ainda aquele que vêem em um centro de recuperação para distúrbios alimentares possíveis novas modelos para as suas agulhas azeotrópicas ou, quiçá, eutéticas). A Moda nunca esteve tão em voga quanto nessa transição de séculos exatamente pelo corolário da Globalização: todos querem ser iguais, porém tem de ser diferentes. É no choque entre o coletivismo e o individualismo que temos o surgimento de um novo caminho para o Cult (esqueça Cult como atividade cedeéfica ou nerdótica ou ainda restrita a universitários enlouquecidos provenientes das áreas humanas, veja-o como predisposição de alterar as vias comuns ruídas pós-Strokes).
Assim, ao observar uma peça em mais uma dessas inúmeras lojas de segregação sócio-credicárdia, não mais há apenas o reflexo visual. Há muito mais por trás de uma roupa, coisas que só o cérebro poderá entender. E como disse Alexandre Herchcovitch, estilista brasileiro: “Moda é usar o cérebro pelo lado de fora”. Portanto, use e abuse da sua criticidade (proteja apenas as suas meninges, alguns vírus podem estar por aí).

Daniel M. Fernandes Vilela

ELIS REGINA - INTERPRETAÇõES

2007-10-20T06:39:00.001-07:00

É inegável que a música brasileira teve ao longo de sua história grandes intérpretes,que além de cantarem muito bem,colocavam suas almas nas interpretações.Eu elegi Elis Regina,para muitos(eu me incluo) a melhor, para relembrar algumas de suas interpretações inesquecíveis.
Apesar de problemas pessoais fora dos palcos,Elis possui um extenso currículo de interpretações memoráveis,entre elas podemos citar “O bêbado e o equilibrista” de João Bosco onde o tom suave que ela expressa nessa letra recheada de críticas à ditadura deixa a música irresistível,temos também a castelhana “Gracias a la vida” de Violeta Parra imortalizada pela argentina Mercedes Sosa que Elis,como já era de se esperar,deu um banho de interpretação,uma das melhores para mim, a clássica “Fascinação” uma de suas mais famosas,a emocionante “Romaria” de Renato Teixeira onde ela canta sertanejo com a habitual categoria de quem canta MPB, a espetacular “Como nossos pais” de Belchior,também com críticas implícitas à ditadura,uma das músicas que a consagrou,até hoje ela é lembrada por esta interpretação. Em outra letra “Alô alô marciano” também com críticas,porém sociais,Elis esbanja humor sarcástico ao cantar:” Down down down the riiightt societymm” debochando da elite decadente. Porém,sem dúvida alguma, de todas as interpretações que já vi, a melhor,mais emocionante foi a de “Atrás da porta”de Chico Buarque(por sinal,muito bem composta,ele entra no eu lírico feminino de maneira genial),especialmente a do vídeo acima,dizem que dias antes desta apresentação ela havia brigado com o então marido Ronaldo Bôscoli que por sinal era o produtor do show e estava na platéia,mas enfim,sendo causa de um problema pessoal ou não essa apresentação antológica da pimentinha foi indescritível,um vídeo vale mais do que mil palavras,assistam.

Psicodelia Underground, Parte Dois - Country Joe And The Fish

2007-10-16T12:08:00.000-07:00

Na segunda parte da minha serie Psicodelia Underground, vou falar sobre o grupo Country Joe And The Fish que ganhou fama como banda de protesto, mas que em sua época era tido como um dos grandes grupos da cena independente da California. Entre seus feitos a criação de um dos hinos anti-guerra mais populares da segunda metade dos anos 60, o Folk-Rock "I -Feel- Like- I'm- Fixin'- to -Die", performaces memoráveis nos festivais de Monterey e Woodstock e algumas das mais bem feitas músicas da psicodelia californiana.

Os integrantes do grupo correspondiam ao vocalista e guitarrista Country Joe McDonald(antes de mais nada, ele não tem relação com a famosa rede de Fast Food), o guitarrista solo Barry "The Fish" Melton que fundou a banda junto com Country Joe o que explica o nome Country Joe And The Fish, o baterista "Chicken" Hirsh, o tecladista David Cohen e o baixista Bruce Barthol. Estes músicos, que começaram tocando Folk e Country Music, fizeram sua estreia com o disco "Electry Music For Mind And Body", lançado pela gravadora independente Vanguard, que misturava Folk, Psicodelia da década de 60 e até Blues. Neste album pode-se notar que a banda tinha muito mais a oferecer ao público do que política radical, pois há faixas que versam a mulher sobre um ponto de vista psicodélico na canção "Grace"(cujo o titulo homenageia Grace Slick do Jefferson Airplane), viagens psicodélicas na canção "Bass Strings"(não me pergunte, eu não sei o porque desta música se chamar "cordas de baixo", visto que o baixo na música só faz a marcação), sobre absolutamente nada na faixa "Masked Marauder"(cuja a unica letra é La La La LA) e até intrumentais em Section 43. A aura política é ouvida em "Super Bird" que é uma "homenagem" ao então presidente Lyndon Johnson no blues Death Sound.

A banda consagrou de vez a fama de "politizada" no album seguinte "I Feel Like I'm Fixin' to Die" que contem o Hit que seria associado a banda durante toda a sua historia "The 'Fish' Cheer / I-Feel-Like-I'm-Fixin'-To-Die Rag", um dos mais bem sucedidos hinos anti-guerra do Vietnã e que seria imortalizado no festival de Woodstock, na faixa Country Joe canta a letra politizada como se fosse uma CheerLeader com o objetivo de satirizar a sociedade norte-americana. No mesmo album há a também política "The Bomb Song", a homenagem a Janis Joplin em "Janis" e o romantismo psicodélico de "Magoo".

O grupo foi imortalizado pelas suas performasses memoraveis onde no começo acompanhava outros grupos da psicodelia sessentista como Grateful Dead e Jeffersons Airplane. Posteriormente a banda passaria a dar apresentações com grande dominio de palco como no Filmore East(que rendeu um disco), em Monterey, e principalmente em Woodstock.

Os tempos atuais não foram bons para a memória da banda que hoje é vista como aquela que tocou "The 'Fish' Cheer / I-Feel-Like-I'm-Fixin'-To-Die Rag" em Woodstock no ano de 69, não obtendo a consagração histórica de comtemporânios como Grateful Dead e Jeffersons Airplane. Como exemplo o fato de que o disco "Electric Music For Mind And Body" que foi aclamado pela crítica da época como um dos mais bem acabados albuns da psicodelia, foi ignorado pela lista dos 500 maiores albuns de todos os tempos da revista Rolling Stone. Pode ser exagero meu, mas a mesma lista inclui gente como Eminem, N.W.A, Kiss e Sex Pistols(que considero bem mais farsa do que Punk). É uma pena, pois o Country Joe And The Fish era uma banda que foi muito alem da política e demonstrou ser merecedora de tanta atenção quanto seus conterrâneos famosos.

Na semana que vem o ultimo texto da serie Psicodelia Underground com Velvet Underground.

Abaixo dois videos de performesses do Country Joe And The Fish: I Feel like a Fixin To Die em Woodstock e Section 43 em Monterey.

Section 43-Ao vivo do Monterey Festival

I Feel Like A Fixin To Die-Ao vivo do Woodstock Festival

Elis & Tom, 1974.

2007-10-15T15:17:00.000-07:00

Nas próximas semanas irei postar sobre esse grande compositor, maestro, cantor, arranjador pianista, e violonista brasileiro, conhecido mundialmente. Suas belíssimas composições são estudadas nas melhores escolas de música do mundo. Hoje, para começar, deixo aqui a dica de um álbum que fez grande sucesso. É um clássico, que para alegria dos apaixonados por Bossa Nova foi reeditado, e acaba de chegar às lojas: "Elis & Tom", de 1974.O trabalho consistiu em uma remixagem do álbum –feita a partir dos masters originais de 8 canais das sessões de gravação realizadas na Califórnia. A nova versão do álbum reúne na mesma caixa, um CD com 14 faixas remixadas e remasterizadas em estéreo, e um DVD Áudio com 16 faixas 100% remixadas e remasterizadas em surround 5.1. Um excelente álbum e fácil de encontrar na internet, dê uma conferida vale à pena!

“Psicobeatlemania”

2007-10-11T18:42:00.000-07:00

Aqui nosso foco principal é a apreciação de qualquer tipo de arte. Pensando nisso me perguntei: E aqueles que usam a arte de inspiração psicodélica? Pois é, a partir desse ponto lembrei-me de uma figura curiosíssima que se chama Charles Manson. Não sei se é conhecida. Então irei apresentá-la a vocês.
Charles Milles Manson foi fundador de um grupo que cometeu vários assassinatos. Filho de uma prostituta e freqüentador de reformatórios, Charles cumpria uma recém pena de 10 anos por falsificação e roubo quando formou uma sociedade perto de Los Angeles. Seus seguidores, ou Família Manson, como eram conhecidos acreditavam que Manson era a reencarnação de Jesus Cristo. Manson também acreditava nisso e dizia que os Beatles conversavam com ele através de suas músicas.
A Familia Manson foi responsável pelo assassinato da esposa do diretor Roman Polanski, a atriz Sharon Tate, que estava grávida, e de quatro amigos do casal. Eles foram baleados, esfaqueados e espancados até a morte. O sangue das vítimas foi usado para escrever mensagens nas paredes. Na noite seguinte, o grupo invadiu a casa de Leno e Rosemary LaBianca, matando os dois. As mensagens escritas nas paredes foram “Helter Skelter”, “Death to Pigs”, “Rising”, “Blackbird”, “Revolution 9”, note que algumas das mensagens são nomes de canções dos Beatles, encontradas do Álbum Branco. Charlie Manson dizia que o objetivo dos assassinatos era começar a guerra mais aterrorizante da terra, denominada “Helter Skelter”.
Uma guerra entre negros e brancos, onde os brancos seriam exterminados. Ele acreditava que um negro seria acusado pelos assassinatos, o que seria o motivo para o começo da guerra. Ele e seus seguidores eram brancos, então iriam se esconder em um poço chamado “poço sem fundo” no meio do deserto assim que a guerra começasse.
Uma das seguidoras de Charles resolveu fugir e denunciá-lo a policia. Ela não concordava com os assassinatos, embora tenha presenciado alguns.
Charles foi acusado de seis assassinatos. Embora fosse líder do grupo disse que não havia participado de nenhum deles. Em seu julgamento declarou seu ódio profundo pela humanidade, e dizia que seus seguidores eram rejeitados pela sociedade. Foi condenado à prisão perpetua.
Charles dizia que o Álbum Branco, dos Beatles, servia de inspiração para seus assassinatos.
A mente psicodélica desse homem nos dá o exemplo de como a arte é distorcida na mente humana.
Não quero fazer uma conclusão individual sobre o assunto. Então, tomei a liberdade de perguntar aos nossos visitantes, e a meus amigos blogueiros também. O que vocês pensam sobre isso? Usar a arte de modo louco e ideológico.

Obs: A partir das respostas irei apresentar outras histórias, mas da próxima vez não de assassinos, mas de loucos da própria Arte.

Cirque du Soleil

2007-10-10T12:12:00.000-07:00

Allegria: circo, teatro e parábola social?

Diante da possibilidade da extinção de uma das artes mais antigas do mundo, Guy Laliberté e Daniel Gauthier juntaram o que até então parecia não combinar: o mundo mágico do Circo e a pompa barroca do Teatro. A fórmula é sucesso até hoje mesmo após cerca de 14 espetáculos nos quais a trupe nascida em Montreal, no Canadá, mostrava várias faces diferentes de um mesmo encanto. O Brasil tem a honra de desde 2006 receber a cada temporada uma das 7 sete produções itinerantes, iniciando com Saltimbanco (2006) e neste ano uma das mantagens mais populares desse império de entreterimento: Alegría.

Mas o que faz desse espetáculo um dos mais aplaudidos por platéias no mundo inteiro? A resposta é a simplicidade. Alegría engloba temas como a esperança, o respeito, a amizade e a perseverança por meio da crítica da luta e o abuso de poder seja por reis, tiranos ou ditadores; O Reino de Alegría está sem rei e todos querem ocupar esse lugar.

E aí que vem a maestria do Cirque du Soleil. Todos querem o trono, mas quem de fato o merece. Seria Fleur, o bobo vermelho que representa os que apenas sonham e não buscam a realização do devaneio onírico? Ou ainda um dos Velhos Pássaros Nostálgicos que representam o Orgulho e a Vaidade ao não cansarem de se admirar por espelhos vazios? Mas há muitos personagens no espetáculo que também vão em busca do poder: as Ninfas, o petit e o grand Tamir, os palhaços (os verdadeiros filósofos da trama). Mescla-se tal trama com números belíssimos de dança e acrobacia como o Russian Bars Acts em que através de duas barras flexíveis dois homens conseguem alcançar vôos acrobáticos (talvez por isso representem os "Anjos Brancos") e a elaboradíssima orquestra do Cirque que neste espetáculo conta com a presença não só de uma, mas de duas Cantoras: a Cantora Branca, a contadora de histórias, e a Cantora Negra, fechada silenciosa e enigmática.

Após apresentações em Curitiba e Brasília, as próximas cidades contempladas serão: Belo Horizonte (22 de Novembro), Rio de Janeiro (27 de Dezembro), São Paulo (7 de Fevereiro/2008) e Porto Alegre (15 de Maio/2008). Além do Brasil, outros países da América Latina receberam o Cirque de Soleil nesse período.

Psicodelia Underground

2007-10-09T14:34:00.000-07:00

Na segunda metade dos anos 60, em conseqüência das idéias erradas de intervenção na guerra do Vietnã, a psicodelia começou a ganhar popularidade dentro do ocidente. Bandas do gênero psicodélico ficaram populares como The Doors, Jefferson Airplane, Pink Floyd, Grateful Dead e Jimi Hendrix. Artistas já populares como The Beatles, Rolling Stones, The Who, Small Faces, Eric Clapton (com o Cream) e The Yardbirds entraram de cabeça no novo gênero. Resumindo: a juventude ocidental estava imersa na psicodelia.
Porem muitos grupos só foram ouvidos por um grupo limitado de pessoas, o chamado “underground”, alguns em sua época obtiveram certa popularidade, em outros ocorreu processo contrario: Só viriam a ser apreciados por um bom público com um tempo e há aqueles que ainda são ouvidos por poucas pessoas.Nas próximas semanas irei escrever sobre três desses grupos: The United States of América, Country Joe And The Fish e Velvet Underground.

Parte I – The United States Of América

The United States Of América é um grupo de Los Angels que ao contrario do país homônimo é muito pouco conhecido. Comandado pelo tecladista John Byrd, o grupo apesar de ser contratado da Columbia, fez sucesso mediano na época e acabou durando apenas dois anos. O álbum homônimo foi o único da banda e depois de uma tentativa frustrada de relançamento em 1992 a gravadora Columbia abandonou o grupo que só era apreciado por poucas pessoas, seria relançado novamente em 2004 pela independente Sundazed Records com faixas extras. O álbum nunca tocou em terras brasileiras.
Uma pena o marasmo que o The United States... permaneceu durante os tempos atuais, pois este demonstrou ser rico em idéias musicais. Para começar o grupo excluía a guitarra que era substituída pelo violino e pelo teclado, as musicas eram recheadas de efeitos imprevisíveis que garantiam surpresas incríveis para o ouvinte, as letras falavam de um ponto comum entre as bandas da época: a sociedade norte americana e a cereja no bolo era a vocalista Dorothy Moskowitz que cantava maravilhosamente bem. O resultado dessa receita era uma das melhores músicas psicodélicas que poucos ouviram. Prova disso é a música Tha American Metaphysical Circus que inicia com as tradicionais marchinhas americanas de 4 de julho que dão lugar ao vocal de Dorothy, seguido de uma percussão e um efeito bizarro, logo após o refrão um teclado lunar entra e os efeitos começam a sofrer distorções de andamento que deixam a música mais tensa e em estado de constante crescimento e quando atinge seu máximo ela volta as marchinhas iniciais.
Inédito no Brasil, o grupo The United States Of América é um dos melhores exemplos de psicodelia underground, e um dos mais ácidos (em todos os sentidos) grupos da época.

Nos proximos textos falarei sobre Country Joe And The Fish e Velvet Underground.

Para ver o Myspace dedicado a banda digite:http://www.myspace.com/byrdmoskowitz (ainda não sei transferir sites) e divirta-se.

Musique Concrète: O Industrial

2007-10-04T15:54:00.000-07:00

Parte I: o Nascimento.

Uma música pesada, letras densas, sintetizadores, baterias eletrônicas, loop de fitas e, é claro, como em quase todas as revoluções: a guitarra. Adicione uma pitada de Luigi Rostollo e Tristan Tzara, Dalí e o beat Burrogous, balance suavemente e despeje sobre uma década em que as revoluções, constantes desde o início do século XX, se confirmam: é 1970. Nasce em São Francisco, nos Estados Unidos, o Industrial.
Monte Cazazza, músico americano, cunha o termo Industrial a partir da idéia do “Agricultural”, isto é, toda a música feita antes não se adequava a uma geração tipicamente urbana que nasceu com a Era das Revoluções, a qual tendia para uma nova estética artística condizente com o mundo Contemporâneo. Opondo-se a sociedade agrária, nasce, por tanto, o Industrial, que traz consigo todo o choque expresso entre Rural/Urbano, Velho/Novo, Conservador/Revolucionário. Porém, não será apenas neste lado do atlântico que este estilo, influenciado pela geração beat, encontrará terreno fértil. É na Europa e nas vanguardas que a música de Cazazza encontra espaço e se modifica enraizando-se em cidades como Manchester, Milão, Londres, Berlim e Glasnow. Com a idéia bélica futurista, a negação da razão surrealista e principalmente com a Anti-arte dadaísta o Industrial se molda como a retificação de toda a revolução cultural européia.
A arte concreta, entretanto, demoraria até 1979/80 com o grupo alemão Einstürzende Neubauten (Novos Prédios em Demolição, em alemão) que traria caligramas de Apollinaire mixados com um som experimental pesado. A partir daí, o Industrial começa a sua jornada por entre a Literatura e não escapa ileso, transformando-se no porta-voz do Concretismo na música: a Musique Concrète.
Tantos nomes em alemão, tanta influência americana, por que logo o novo sinônimo de Industrial é em francês? Simples, a França, terra das Revoluções, mescla o seu Rock Avantguard da década de 1960 e juntamente com a sua vizinha Itália e o movimento Fluxus (Movimento antiartístico que pregava o momento como a maior forma de expressão) apara as arestas deixadas pelos anglo-saxões, aperfeiçoando o estilo. Entretanto, mesmo com tanta diversidade e com tantos países envolvidos o Industrial amargaria a década de 1980.
Extremamente impopular e visto como mais uma das revoluções-minutos da Europa, o Industrial chega aos anos 90 fracassado. Mas, um acidente aéreo na cidade de Ramstein na Alemanha, atiça o espírito revolucionário de seis jovens alemães: nasce o Rammstein, que, juntamente com o Despeche Mode, daria um novo fôlego para a música concreta. (...)

Continua na próxima Quarta-feira.

Em Off:

Queria agradecer a Gabriela que me cedeu gentilmente a vez para postar.
Por uma questão de organização e de entendimento, dividi o assunto em 2 posts: um para a parte histórica propriamente dita e outro para a parte sonora, de fato. Para não deixar muitas lacunas no ar, indico aqui três cds que refletem bem o que é o Industrial:

Cabaret Voltaire: Red Mecca: 1981
Depeche Mode: People are People : 1984
Rammstein: Sehnsucht: 1997

Clique aqui para um vídeo com a música Klavier, da banda Rammstein, presente no cd Sehnsucht

Puro Industrial!

O outro lado de John Lennon

2007-10-02T12:22:00.000-07:00

"Sua mensagem de paz pemanece até hoje", essa é a frase que as pessoas falam quando é mencionada a influencia de John Lennon no mundo atual. Hoje em dia, John Lennon é sempre lembrado pela mídia e pelo público como um cara que iniciou carreira cantando sobre amor, mergulhou de cabeça nas filosofias dos anos 60, revolucionou a música POP, se rebelou contra a guerra do Vietnã junto a Yoko Ono e morreu como um homem de família. Sua música reflete o que era o compositor: Hinos de paz, canções de amor e letras inteligentes. Mas John Lennon é raramente lembrado como o cara viciado em drogas pesadas como a heroina, que maltratava a primeira esposa fisicamente e psicologicamente, que traiu em publico a segunda esposa (Yoko Ono), pai ausente e traumatizado com o abandono familiar. John era um personagem extremamente humano. Há muitas musicas que revelam essa outra personalidade esquecida de John Lennon, vão dos Beatles até sua carreira solo.

Na faixa Help! do disco homônimo, Lennon pede ajuda e desabafa sua insatisfação com a vida de celebridade, o que inclui as turnes cansativas e barulhentas que os Beatles, posteriormente, eliminariam de sua agenda. No disco Rubber Soul, que iniciava a segunda fase dos Beatles, John Lennon falava de sexo indiretamente em Norwegian Wood, uma das grandes composições do disco. No disco Revolver, John aconcelha o ouvinte com problemas a procurar um certo Doctor Robert, um médico que dava anfetaminas aos pacientes, foi o primeiro contato de Lennon com drogas. Nos discos Sgt Pepper Lonely Hearts Club Band e Magical Mistery Tour, John brincou com a imaginação dos fãs em Lucy in the Sky of Diamonts (iniciais:LSD) e I am the Walrus. No White Album, John prestou a primeira de muitas homenagens a sua mãe em Julia, morte em um acidente de carro. No ano de 1969, John mostrou duas de suas composições mais sombrias: I Want You( She`s so Heavy) e Cold Turkey. A primeira tem apenas como letra as seguintes frases: " I want you/i want you so bad, baby!" e " She´s so heeeaaaavy!", que é banhada com uma melodia tensa com direito a orgãos, guitarras de John e George, uma das melhores linhas de baixo de Paul McCartney e sintetizadores, a música ora reflete o uso de heroina, ora uma noitada com Yoko Ono, para alguns foi o primeiro heavy metal da história, a faixa foi incluida no album Abbey Road . Já em Cold Turkey, John descreve os tempos em que lutava para deixar a heroina, a faixa possui um poderoso Riff de guitarra e letra bastante tensa que culmina com os gemidos de sofrimento do beatle, a faixa foi recusada pelos outros membros da banda, o que forçou John a gravar com os músicos da Plastic Ono Band.

Na carreira solo (ou com Yoko, como preferir), John passou a frenquentar as sessões de terapia primal do Dr. Arthur Janov, que resultou no disco Plastic Ono Band que possui músicas sobre o abandono familiar(Mother), morte da mãe(My Mummy´s dead) e sobre ceticismo(God). No disco seguinte Imagine, que contem o manifesto pacifista (ou comunista, como preferir) homônimo, John declara guerra ao ex-companheiro Paul McCartney em How do you Sleep. Na música estão versos nada amigaveis a respeito de Paul do tipo: " A unica coisa boa que você fez foi Yesterday/Hoje você está mais para 'Another Day' " ou " O som que você faz soa como Muzak* nos meus ouvidos". A desculpa de John era que Paul sempre o atacava sutilmente e aquela seria a resposta.

John lennon sem sombra de dúvidas era um gênio musical, mas ignorar seus defeitos- que geraram um trabalho tão genial quanto as qualidades-é no minimo um erro que o tempo não reparou. Para finalizar, ele era tão santo quanto Keith Richards.

Obs: Meu nome é Gabriel Caio, entrei recentemente no casarão por convite de Murilo e Daniel , essa é primeira vez que escrevo num Blog, espero que gostem.

*Muzak: Música de elevador

SERIA O ESPORTE UMA ARTE?

2007-09-29T07:23:00.001-07:00

Eis aí uma polêmica, muitos o vêem como um instrumento de lazer ou, infelizmente,como coisa de desocupado.Sinceramente,não consigo ver o esporte como não sendo uma arte.Um drible bem executado no futebol,os movimentos perfeitos do corpo humano na Ginástica Artística ou no Atletismo,enfim,qualquer demonstração de habilidade e talento,que também são exigidos nas demais manifestações de arte.Só que o esporte não é visto geralmente assim,é sempre o trauma de uma grande parte de alunos,que,ao se depararem com a aula de Educação Física,inventam uma dor de cabeça aqui,uma câimbra acolá para deixar de participar dessa aula tão insuportável e assim desde o colégio,as pessoas vão assimilando o esporte como tortura e quando crescem,passam a vê-lo como algo periférico,um entretenimento,JAMAIS uma arte.
E digo mais, como toda arte,o esporte é uma arma de inclusão social,porém com mais eficácia, pois seu mercado,sedento por novos valores,recebe investimentos pesados e se renova mais rapidamente do que qualquer outro,ou seja,além de tudo ele contribui para o desenvolvimento de uma nação.

OFF:
Bem,me apresentando, sou Murilo e me desculpem pela postagem pequena,é que eu ainda estou me acostumando a ter blog . Vejam esse vídeo e me digam se isso não é arte...

Gigawatts, Gigahearts: Clover e o Cyberpunk

2007-09-26T06:08:00.000-07:00

O niilismo nietzscheano não valeu apenas para o século XIX e para as revoluções que estavam por vir no século XX, a “doutrina do nada” descreve o cenário underground de uma sociedade digital e tecnológica, em um gênero de ficção científica que mistura quadrinhos, cinema noir e a prosa pós-moderna: o cyberpunk.

No livro “Neuromancer”, o escritor William Gibson discorre sobre o indíviduo dessa era: um ser desacreditado, destoante de um Estado totalitário baseado na tecnocracia onde imperam grandes Indústrias/Empresas. Esse mundo, por sua vez, é totalmente baseado em tecnologia e computadores, não sendo rara a conexão direta entre cérebro humano e um computador conectado à Internet. E são nessas conjunturas que as quatro meninas do Clamp criam a sua obra-prima, na minha opinião: Clover.
O caráter inovador desse projeto já é percebido visualmente: ao invés do típico desenho em grafite, a folha de papel é explorada como um todo através do negativo e positivo (basicamente, o negativo é um desenho que se forma preenchendo o espaço a sua volta e o positivo é um desenho que delimita o espaço a sua volta através do seu preenchimento) e também da quebra com a relação fundamental de qualquer história: Início, Meio e Fim. Clover começa direto na questão central: Suu, uma das crianças que demonstram o poder de manipular a tecnologia à sua volta e procuradas pelas forças armadas de seu mundo cyberpunk para participarem do projeto Trevo (Clover, em inglês. Só para constar: as crianças são identificadas de acordo com o número de folhas que o seu trevo apresenta, sendo as mais poderosas aquelas que possuem o maior número de folhas.). Suu, por apresentar ser a mais poderosa criança, a única Clover-4, é pressionada pelo governo de seu país a manter-se longe do alcance humano a fim de impedir que ela seja manipulada e usada como arma contra o Estado. Sem companhia, Suu tem apenas um desejo ir ao “Fairy Park”, um parque de diversões. Em sua escolta é enviado Kazuhiro, um militar forçado a realizar trabalho, só que a escolha de Kazuhiro vai muito mais do que pelo Estado, mas também pelos que anseiam uma revolução.
Após essa apresentação de fatos, no percurso de Suu e Kazuhiro aparecem flash-backs que ajudam a compreender a história. Infelizmente, por falta de tempo e verba o Clamp foi obrigado a deixar Clover de lado e não possui nenhuma previsão de acabar a história.

O mangá, no Brasil, é visto apenas como uma revista em quadrinhos qualquer indicada para crianças e adolescente que não tem muito que fazer. Entretanto, o verdadeiro mangá é nada mais que um livro com desenhos demais. De fato, o traço característico desse tipo de quadrinhos não é atraente, causando certas deformações na estrutura de um personagem (vide Watanuki e a Yukko de XXX Holic), porém toda a estrutura por trás das páginas lidas ao contrário é tão complexa como as dos Comics ocidentais (vide Clover). Os quatro volumes que contam a história de Suu não existem no Brasil sendo necessário importar dos EUA os pequenos livros e claro, forçar um pouco o seu inglês. Para o amante incondicional do quadrinho, seja ocidental ou oriental, indispensável leitura.

Viagem Pelo Jazz

2007-09-24T19:52:00.000-07:00

Como é minha primeira vez escrevendo no blog, vou falar do meu estilo musical preferido: o jazz. Logo na primeira vez que escutei jazz me apaixonei, é incrível como a música é envolvente. Mas o que mais me chamou a atenção foi as grandes improvisações feitas, simplesmente surpreendentes! E é isso que faz do jazz um estilo tão interessante, o fato de que nenhuma apresentação será igual a outra.E é disso que se trata o jazz, assumir um risco: “o risco de se confrontar com o silêncio e preenchê-lo com um discurso inédito e próprio, o risco de ser um "compositor instantâneo", como dizia Charles Mingus. Os músicos vão me entender ao dizer "risco", pois, quem nunca sentiu aquele friozinho na barriga ao fazer um solo, mesmo que não fosse improvisado?Os músicos do jazz não estão presos a temas, nem a padrões de fraseado convencionais, nem à harmonia tonal; em vez disso, eles se valem de acordes e pequenas células combinadas de antemão para se coordenar entre si e se orientar dentro da textura sonora. E para quem quer ver bastante improvisação ,e em conjunto, basta ouvir músicos do chamado “free jazz”, que incorporou conquistas estéticas da arte de vanguarda dos anos 60, como a música atonal e aleatória e o happening.No free jazz a ênfase está na improvisação conjunta. Pode-se dizer que o free jazz “nasceu” com o famoso disco intitulado Free Jazz, nele é possível ouvir o mais puro e belo jazz tocado pelo quarteto duplo liderado por Ornette Coleman (sax alto) e Eric Dolphy (clarinete-baixo). Participaram também músicos importantes como :Charlie Haden e Scott LaFaro aos contrabaixos, Don Cherry e Freddie Hubbard aos trompetes, Ed Blackwell e Billy Higgins nas baterias.O próprio Charles Mingus, já citado, faz parte dessa turma do free jazz. Mas esta não é a única vertente do jazz, há muitas outras: o swing( dançável, foi o mais popular durante a segunda guerra mundial), cool jazz ( proposta intelectualizada) entre muitos outros. É notável como o jazz passou por modificações, e em pouco mais de cem anos.Nasceu do blues, do negro spiritual protestante e do ragtime, e hoje é feito com instrumentos eletrônicos - samplers e sequenciadores - num cruzamento com o tecno e o drum´n´bass atendendo a todos os gostos. Para quem gosta de música de qualidade, muito swing, enfim, música de qualidade, o jazz é perfeito. Aí vai algumas dicas legais de cds, meus preferidos, e na minha opinião uns dos melhores das antigas: All or Nothing at All Billie Holiday, vocal;Harry 'Sweets' Edison, trompete; Ben Webster, sax tenor; Jimmy Rowles, piano; Barney Kessel, guitarra; Joe Mondragon, contrabaixo; Alvin Stoller, bateria(Verve, 1957), Giant Steps John Coltrane, sax;Tommy Flanagan, Wynton Kelly e Cedar Walton, piano; Paul Chambers, contrabaixo; Jimmy Cobb, Lex Humphries e Art Taylor, bateria(Atlantic, 1959), Pithecanthropus Erectus Charles Mingus, contrabaixo;Jackie McLean, sax alto; J. R. Monterose, sax tenor; Mal Waldron, piano; Willie Jones, bateria(Atlantic, 1956). E para quem quer ver ao vivo, basta sair na noitada capixaba o Jazz Café é uma excelente pedida, talvez a melhor.Passeando pela Rua da Lama e por Praia do Canto, não é difícil encontrar um bom som . Como se vê, não é difícil encontrar música boa para curtir, então aproveite o tempo livre para ir á caça de boa música, e como diz o Prof. Grijo "Pare de escutar katinguelê" e busque novos ritmos. Bons sons!

Homem Hermético

2007-09-24T15:10:00.000-07:00

Em que hipótese acreditar?

Que morreu numa banheira em Paris de Overdose? ou assassinado pelas autoridades do governo americano?

O vocalista da fantástica banda de Rock, The Doors, chamado Jim Morrison era ou é um dos mais ilústres cantores da história do Rock.

Morrison afirmava que seu talento de escrever músicas e poemas vinha de um acontecimento que marcou sua vida. Que ele descreve assim :

"A primeira vez que descobri a morte… eu, os meus pais e os meus avós, íamos de automóvel no meio do deserto ao amanhecer. Um caminhão carregado de índios, tinha chocado com outra viatura e havia índios espalhados por toda a auto-estrada, sangrando. Eu era apenas um miúdo e fui obrigado a ficar dentro do automóvel enquanto os meus pais foram ver o que se passava. Não consegui ver nada – para mim era apenas tinta vermelha esquisita e pessoas deitadas no chão, mas sentia que alguma coisa se tinha passado, porque conseguia perceber a vibração das pessoas à minha volta, então de repente apercebi-me que elas não sabiam mais do que eu sobre o que tinha acontecido. Esta foi a primeira vez que senti medo... e eu penso que nessa altura as almas daqueles índios mortos – talvez de um ou dois deles – andavam a correr e aos pulos e vieram parar à minha alma, e eu, apenas como uma esponja, ali sentado a absorvê-las."

De acordo com os pais de Morrison, tal incidente nunca havia ocorrido.

Desde então Morrison afirmava que tinha sido possuido por um espirito indigena que o ajudava a compor seus poemas e músicas.

Jim levava uma vida boêmia na Califórnia, frequentando a Universidade da Califórnia em Los Angeles, formando-se no curso de cinema ele continuou sua vida dormindo nas ruas e lendo vários livros. Encontrou mais tarde seu ex colega de faculdade Ray Manzarek e decidiram depois de uma leitura de poemas montar uma banda de rock, juntamente com Robby Krieger e John Densmore surgindo The Doors.

Morrison era conhecido por mudar completamente em seus shows, caindo e se retorcendo no chão cantando suas músicas, sempre estava bebado e foi preso inúmeras vezes por desrespeito as autoridades. Não gostava de ser chamado de bebado mas sim de um grande poeta.

Não sabemos ao certo qual foi o fim de Morrison se está morto, ou vive por aí, mas creio que sua contribuição ao rock já foi o bastante, sendo assim eternizado.

ps: sei que hoje não é meu dia de postar mas tive uma inspiração momentânea e não tive como conter. Mil desculpas aos meus amigos.

O Homem que Caiu na Terra

2007-09-22T02:59:00.001-07:00

a saga cinematográfica de David Bowie

Filmes em que os papéis principais são de um músico famosos não costumam ser muito apreciados, ou ainda, muito bons, me arrisco a dizer. Entretanto, vale ressaltar que pelo menos um deles figura nas listas cults sobre filmes que rolam por aí: O Homem que Caiu na Terra, que ninguém mais, ninguém menos que David Bowie, o polêmico cantor. Uma trama simples pautada em um alienígena (Bowie) que vem a Terra com a finalidade de levar água para o seu planeta árido. O roqueiro já havia, em seu disco The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972), inventado a idéia que era uma alienígena, precisando apenas que o diretor Nicholas Roeg o convencesse de interpretar o papel no cinema.
O filme foi sucesso imediato projetando popularmente cada vez mais o cantor, o que o levou para mais tramas e tramas cinematográficas. Quando não protagonista, coadjuvante; Quando não coadjuvante, fazia a trilha sonora. Suas canções foram tema inclusive de um jogo lançado pela Eidos chamado Omikron: the nomad soul (Bowie também era um dos personagens do jogo). Conhecido também pela suas quedas e ascensões ultra-rápidas no mundo da música, variando do Folk Rock, passando pelo Alternative até o Blues e o Soul, Bowie faz uma ponta no filme Eu, Cristiane F. 13 anos, drogada e prostituída, onde interpretou a si mesmo como ídolo da protagonista e símbolo de uma juventude européia decadente.
A carreira esporádica do grande camaleão do rock fez presente também com filmes de vanguarda na década de 60 e até uma participação como Pôncio Pilatos no filme A última tentação de Cristo. Entre filmes que David participou estão Merry Christimas, Mr. Lawrence (1983) e O Grande Truque (2006) sendo essa sua experiência cinematográfica mais recente.

Daniel Fernandes Vilela

~> p.s.: Postei novamente devido a timidez dos outros blogger, ou pelo menos, a minha incapacidade de responder a Brunela a tempo (¬¬). Desculpe o desaprofundamento no texto, depois eu volto e falo mais desse grande camaleão do rock'n'roll.
Como só devo aparecer por aqui só quarta-feira, até logo e aquele abraço.

Da Arte Barroca ou A Pérola Falsa

2007-09-19T16:36:00.001-07:00

Não há algo mais Barroco no mundo senão a própria humanidade.

"Dinanzi a me non fuor cose create
se non etterne, e io etterna duro."
Canto III; Inferno - Dante Alighiere

O homem, por mais que seja estruturada sua sociedade, necessita de uma válvula de escape do seu cotidiano, um anticotidiano, uma irrealidade. Trabalhamos com essa fuga, a fuga da realidade. A Arte, somente ela, é a responsável pela manutenção do ser humano como "gestor" fundamental do planeta Terra. Outros animais possuem linguagem própria, podem organizar-se em sociedade e realizar uma infinita gama de atividades associadas ao homem, exceto uma: a arte.
E é por essa que este blog compreende-se. O homem viveu séculos sem moeda, sem monarcas ou presidentes, sem o zero (vale ressaltar que Alexandre - o Grande - conquistou quase todo o mundo conhecido em sua época sem o conhecimento da unidade do vazio). Por isso essa proposição barroca: ser humano e ser arte ao mesmo tempo. Corpo e Conceito: Literatura, Artes Plásticas, Cinema, Música, História (uma espécie de arte, só que com datas e cartas marcadas), Teatro, Comportamento (a única parte humana tão arte quanto carne) e Esporte (uma espécie de Arte periférica, mas ainda assim é arte ¬¬).
De Dante, o Inferno se lê o que é este blog. Lasciate ongi speranza voi ch'entrate; Deixai mesmo a esperança, vós que entrais, pois será desconstruído e reconstruído.

Desejamos a você uma boa Epifania.
A Elite do Casarão Agradece.

Daniel Fernandes Vilela

Em Off:

"O Casarão" foi uma idéia surgida de um bate-papo sobre blogs na aula de Língua Portuguesa. Algumas mentes, insanas ou não, acabaram por achar a idéia de um blog comunitário sobre o mundo, tentando ou não mudá-lo, nos mais diversos níveis da sociedade: arte, política, história, cultura geral, literatura, música, cinema.

Somos compostos por 6 pessoas: Brunela, Daniel, Gabriela, Juliana, Leandro, Murilo.

O nome do Blog deriva de uma casa velha no centro da cidade que a família de um dos colaboradores desse blog possui no Centro de Vitória.